Cinemilio

Traslochi

2008-01-28T00:45:00.000+01:00

300

2007-03-25T12:39:00.000+01:00

Pretendere di fare riscrivere a Frank Miller la storia delle Termopili è come affidare a Robocop il ministero degli Interni.

L'autore di fumetti americano – assurto alle cronache cinematografiche per il discutibile Sin City – conosce tutti i mezzi e mezzucci per tenere avvinto il lettore alla pagina disegnata. Le sue storie, dalla riscrittura di Devil in poi, sono sempre popolate di supereroi tormentati, nemici tanto potenti quanto abietti, tonnellate di violenza, teste rotolanti e valanghe di sangue e sesso, possibilmente perverso. Pura exploitation, dunque, destinata a solleticare gli istinti più bassi, ed è ridicolo affermare altrimenti, anche se per molti appassionati di strisce Miller ha la valenza di un semidio.

Tutti gli elementi dello stile dell'autore di "Batman: anno uno" li ritroviamo in "300", peplumaccio firmato da Zack Snyder con abbondante uso di computer grafica ed effetti speciali. Il film – campione di incassi in America - ha suscitato alte polemiche per i suoi presunti collegamenti con la situazione internazionale.

In realtà leggere in questa graphic novel, scritta nel 1995, una metafora dello scontro tra Usa e Iran è un'operazione capziosa e un po' irritante. Come pretendere che stare seduti due ore di fronte a degli omaccioni depilati in mutande sia il massimo della virilità.

Borat

2007-02-26T00:20:00.000+01:00

Cosa sai tu del Kazakhstan?

La comicità demenziale, quando è ben fatta, ha una caratteristica: apre squarci nella realtà, rovescia le prospettive, sospende il giudizio della mente come nemmeno un Gourdjeff avrebbe saputo fare. Chi non ricorda la scena della hostess con la chitarra nell'Aereo più pazzo del mondo? Vale venti sermoni di Osho, almeno.

D'altro canto, in un genere di pura exploitation, è facile cadere nella volgarità fine a se stessa, e non è che per forza si debba dare nobiltà teorica a ciò che nasce esclusivamente per fare soldi.

Ora, da che parte sta "Borat"? Questo finto documentario a basso budget (sottotitolo: Studio culturale dell'America a beneficio della Gloriosa Nazione del Kazakhstan, ma la traduzione non rende fede allo sgrammaticato originale) è prima di tutto un film disgustoso, in grado di mettere in imbarazzo chiunque. Non c'è tema, situazione o parola oscena che Sacha Baron Cohen, il comico inglese che dà vita al personaggio, risparmi al pubblico nella lunga sequela di candid camera che costella il suo viaggio negli Stati Uniti.

Borat è razzista, antisemita (ma Baron Cohen è ebreo), sessista, tragicamente sboccato, e trae il peggio da ogni persona che intervista nel tentativo di mandare in corto circuito i meccanismi del "politically correct". Detto questo, ci sono due modi per vedere il film. Il primo è lasciarsi trascinare nel meccanismo coprolalico, spegnendo il cervello e abbandonandosi ai lazzi. Il secondo è di provare a lasciare perdere l'offensiva volgarità, con la consapevolezza che in realtà è Borat, dall'altra parte dello schermo, a ridere di noi. In fin dei conti, cosa sappiamo noi, del Kazakhstan?

La cena per farli conoscere

2007-02-18T21:41:00.000+01:00

Un compromesso a volte serve

Essere un "professionista" significa una cosa molto semplice: vivere del lavoro che si svolge. Il dilettante, dal canto suo, lo fa per divertirsi. Niente di male, ma è una cosa un po' diversa. Poi ci sono quelli che si atteggiano: lavorano senza compenso, ma non si divertono (ognuno ha le sue perversioni). Criticano i professionisti, perché vorrebbero disperatamente fare parte della categoria, e l'accusa preferita, di solito, è quella di scendere a compromessi.

Mi venivano in mente queste considerazioni guardando l'ultimo film di Pupi Avati, "La cena per farli conoscere", dove il protagonista Sandro Lanza (Diego Abatantuono) accetta persino di partecipare a un reality show intitolato "Fogne" pur di continuare a lavorare. Lanza non è un santo: mezzo puttaniere, vanesio, totalmente ingestibile, tanto che le tre figlie (Vanessa Incontrada, Ines Sastre e Violante Placido) decidono di organizzargli un incontro al buio per "sistemarlo" dopo un tentativo di suicidio.

Nonostante le buone premesse "La cena per farli conoscere" non è una delle migliori opere di Avati, che pure rimane un gran professionista. Troppo spesso il regista si rifugia nella voce fuori campo per cercare di dare unità alla vicenda, un po' sconclusionata, e troppo spesso gli attori (a parte Abatantuono) faticano a seguire la presunta intensità dei personaggi. Il problema principale è che gli stessi toni di tutta la filmografia del cineasta emiliano si innestano in una vicenda che avrebbe avuto forse bisogno di una chiave diversa. Un compromesso in più che avrebbe reso migliore la pellicola. ( cinemilio.blogspot.com)

Le luci della sera

2007-02-13T00:32:00.000+01:00

Triste, splendia Finlandia

Recitazione antinaturalistica, paesaggi urbani alieni, gli scantinati di una Helsinki fredda, dura e incomprensibiile come l'atrio di una banca: l'estetica dei film di Aki Kaurismaki è tanto riconoscibile quanto la sua poetica, tutta rivolta a indagare l'animo di chi vive al margine. A volte alle umiliazioni segue il riscatto, come in "L'uomo senza passato".

Altre volte no, ed è questo il caso di "Le luci della sera", un film spietatamente pessimista, quasi manicheo nella rappresentazione dei rapporti di forza tra le persone e le classi sociali. Koistinen, il protagonista, lavora come guardia giurata in un centro commerciale. E' solo, e forse non ha mai avuto una donna. Un giorno viene avvicinato da una ragazza bionda, che gli fa credere di essere interessata a lui. In realtà è una scusa per sottrargli i codici dell'allarme e compiere un furto di cui lo stesso Koistinen verrà accusato.

Ultima parte di un'ideale trilogia dedicata ai perdenti, "Le luci della sera" non è un film facile, né consolatorio. Potrebbe essere un film muto, e infatti si ispira apertamente a Chaplin nella ricerca delle inquadrature, nella regia degli attori e, come è stato fatto notare, nella capacità di concludere con un happy ending triste. Da vedere, sapendo che vi lascerà il magone.

La ricerca della felicità

2007-02-03T23:47:00.000+01:00

L'incubo americano

Io lo odio Gabriele Muccino. Non solo fa il mestiere che chiunque si occupi di cinema vorrebbe fare. Non solo ha firmato alcuni dei film di maggiore successo degli ultimi anni in Italia. Non solo ha lanciato come attore un parente a cui mancano sette consonanti e due vocali, l'antitesi stessa della dizione. Non solo. No, adesso se ne vola a Hollywood, fa un film con una star come Will Smith e vende una marea di biglietti, al di qua e al di là dell'oceano. “La ricerca della felicità” è il tipico film che un critico non può fare a meno di odiare. E' cinico, manipolatorio, asfittico nella sua riproposizione di tematiche viste e riviste. I sogni degli sfigatissimi eroi di Muccino sembrano usciti da un corso di autostima per corrispondenza. Il padre prima dice al figlio “Se hai un sogno, tu lo devi proteggere. Se vuoi qualcosa, vai e inseguila”, poi finisce in galera perché non ha pagato una multa e il fisco gli rasa a zero il conto corrente. La felicità coincide con una giacca, una cravatta e un lavoro da squalo in un acquario di squali. Un incubo, più che un sogno americano. Però Muccino tecnicamente è un genio, è veramente bravissimo. Riesce a tenere alta la tensione con una storia triste triste di terza mano, la solita sceneggiatura di riscatto del perdente. E poi quanti italiani sono riusciti a girare un film in America dopo Sergio Leone, con una star come Will Smith? Io lo odio Gabriele Muccino.

The Prestige

2007-01-28T10:45:00.000+01:00

Ossessione e illusione

Ossessione e illusione: i due temi cardine di Christopher Nolan (Memento, Batman begins) rivivono anche in “The Prestige”, thriller ambientato fra i teatri e le malìe della Londra vittoriana. Protagonisti due prestigiatori rivali, Borden e Angier (Hugh Jackman e Christian Bale), uniti dall'ossessione per la propria arte e da un evento luttuoso: la moglie del primo morì durante l'esecuzione di un trucco a causa della colpevole temerarietà del secondo. Decisi a rubarsi segreti e fama i due scatenano una guerra privata per sottrarsi la tecnica del “trasporto umano”, ovvero il passaggio istantaneo da una parte all'altra della scena. Servirà un sosia o una vera magia?

Il film è divertente e vale la visione. La narrazione a piani temporali alternati, i colpi di scena a ripetizione, le atmosfere opportunamente dark e il cast di alto livello (Robert Caine, Scarlett Johansonn e David Bowie sono comprimari di lusso) tengono alta l'attenzione del pubblico fino al “prestigio” del titolo, lo svelamento del trucco. Ma qui, senza bisogno di palesarlo, il meccanismo della sceneggiatura si rompe, e irrompe solenne il nonsense. L'illusione, come può spiegare ogni buon prestigiatore, non c'entra nulla con la magia. Figurarsi con la fantascienza.

Giù per il tubo (Flushed Away)

2007-01-07T22:31:00.000+01:00

Forma e sostanza

Il mondo dell'animazione è ormai diviso in due. Da un lato c'è chi rimpiange i bei vecchi tempi in due dimensioni, patrimonio di Dumbo, Biancaneve, ma anche di classici moderni come il Re Leone, espressione, si dice, di artigianalità e sentimenti più “umani” Dall'altro ci sono circa sei miliardi di abitanti del pianeta ormai assuefatti alle meraviglie digitali di Shrek e affini. A mettere tutti d'accordo, finora, c'era solo lo studio inglese Aardman, divenuto famoso per la serie di Wallace e Gromitt e per molti altri piccoli miracoli di plastilina interamente realizzati a mano, fotogramma per fotogramma.

Ora anche Aardman ha ceduto alle lusinghe dei pixel e da un lato ciò rappresenta una delusione, dall'altro una sorpresa. “Giù per il tubo”, infatti, è l'opera meno visiva di Nick Park e soci. I computer di Dreamworks, per quanto onnipotenti, non consentono ancora lo stesso impatto del passo uno, tecnica che ha l'età di Méliès e che ha consentito alla “Maledizione del coniglio mannaro” di vincere un Oscar. Allo stesso tempo “Giù per il tubo” è un film molto, molto divertente, ricco dello stesso humour surreale e tipicamente british che abbonda nei precedenti lavori della casa.

Conclusione? La forma non è sostanza: apprenderla significa seguire la via per un significato. Aardman, come un vecchio maestro di arti marziali, può permettersi di trascenderla. Sono in pochi.

In viaggio con Evie

2006-12-26T02:03:00.000+01:00

Provaci ancora, Ron(f)

E Pippo. E il principe azzurro. E Obelix. E l'onorevole Bondi. Quando sei una “spalla” non hai nemmeno il privilegio di un nome proprio: la congiunzione ti precede sempre. Per il fulvicrinito Rupert Grint – il celeberrimo Ron Weasley di Harry Potter – deve essere stata una ghiotta occasione. Un film da protagonista per uscire dall'ombra del maghetto con gli occhiali. Hermione guardami, ci sono anch'io.

“In viaggio con Evie” è il tipico romanzo di formazione, al centro del quale figura il timido quasi-diciottenne Ben, figlio unico di un pastore anglicano e di una madre bacchettona che predica bene e razzola un po' peggio. Animo poetico, sguardo spiritato, il ragazzo si trova a fare da assistente a un'anziana attrice shakespeariana beona e scurrile, che lo costringe ad accompagnarla in un tragicomico viaggio fino a Edimburgo. In Scozia Ben scoprirà l'amore fisico e il piacere di decidere con la sua testa.

La pellicola scorre leggera e british, un po' troppo garbata, senza mai risolvere davvero i climax che accumula. Si capisce come il regista Jeremy Brock abbia compiuto un viaggio a ritroso nella sua biografia e all'ultimo momento abbia perso il coraggio di infierire. In più, come chiarisce il titolo italiano, la vera protagonista del film è Julie Walters, una “Evie” tanto antipatica e debordante quanto irresistibile.

Grint non fa una malvagia figura, ma a tratti lo si dimenticherebbe, se fosse possibile ignorare il semaforo rosso che si porta in testa. Hermione, insomma, sarà per un'altra volta.

Anplagghed, al cinema

2006-12-10T02:18:00.000+01:00

Tutto il resto è video

E' inutile scandalizzarsi e atteggiarsi a puristi. Se “Anplagghed” è primo nella classifica dei film di dicembre una ragione ci sarà. E' evidente che la riproposizione su pellicola dell'ultimo spettacolo di Aldo, Giovanni e Giacomo non è “cinema” come lo intendono i critici.

Non c'è storia, regia, montaggio: solo un'accozzaglia di sketch teatrali mediamente divertenti, talvolta esilaranti, spesso meno. Ma cosa definisce l'esperienza cinematografica? In un mondo in cui il “cinema” viene visionato sui cellulari, sugli Ipod, sui computer, nella lavatrice, insomma in qualsiasi luogo purché non sia una sala buia insieme ad altre persone, vale la pena ricordare che l'essenza del “cinema” in realtà è proprio questa: una trance collettiva indotta dalla visione di immagini a 24 fotogrammi al secondo, all'interno di un luogo buio a ciò esclusivamente deputato.

Il resto – le teorie, gli attori, le follie dei registi – sono contingenze, destinate a svanire nel nulla. Quando decine di persone condividono la stessa emozione di fronte a uno schermo illuminato, tutte insieme e ognuna per conto proprio, quello è “cinema”, perché il cinema è della gente. E non importa se proietti la settimana Incom, Fellini, Jerry Lewis o Aldo, Giovanni e Giacomo. Finché c'è gente al cinema, il cinema esisterà. Tutto il resto è video.

Marie Antoinette

2006-12-03T02:20:00.000+01:00

Sofia o Antonietta?

Maria Antonietta, la moglie di Luigi XVI, era finora nota ai più per l'immortale frase “Il popolo ha fame e non c'è più pane? Dategli delle brioches”. Un'ingiustizia storica per Sofia Coppola, che ci mostra invece la vicenda di una quindicenne sola, scaraventata al fianco di un salame di marito. Costretta a rifugiarsi (poverina) tra balli sfarzosi, vestiti, diamanti e collezioni di cani finirà ghigliottinata.

Come film storico, Marie Antoinette trascura forse un po' troppo la Storia. La ricostruzione della Versailles del '700 è deliziosa, e l'idea di associare i costumi d'epoca alla musica rock, per quanto non nuova, funziona. Kirsten Dunst (la fidanzatina di Spiderman) è bravissima e il suo viso senza età le consente di essere credibile sia come quattordicenne che come trentenne. Ma l'imminente rivolta che cambierà la Francia e il mondo intero è appena accennata, e l'idea di far passare Maria Antonietta come un giglio travolto dagli eventi è bizzarra. È vero che lasciò l'Austria giovanissima per sposarsi, ma a quei tempi era abbastanza normale. E quando salì sul patibolo l'età dell'innocenza era finita da un pezzo. Un film discreto, insomma, da non perderci la testa.

La mia super ex-ragazza

2006-11-26T02:22:00.000+01:00

La vendetta di Uma

Non vorrei sembrare il Noam Chomsky dei poveri, ma ho sempre pensato che la subcultura dei supereroi rappresentasse una metafora della politica estera americana. Vorrà anche salvare il mondo, ma di fronte a un semidio onnipotente che può incenerirti con lo sguardo non sai mai cosa possa capitarti ed è meglio non trovarsi dalla parte dei nemici, neanche per sbaglio. Il che è esattamente quello che succede a Matt Sanders (Luke Wilson, I Tenenbaum).

Dopo aver sedotto la timida bibliotecaria Jenny (Uma Thurman) scopre che non solo si tratta della supereroina G-Girl, ma che la ragazza è anche supernevrotica, superinsicura e superappiccicosa. Quindi la scarica. La vendetta è altrettanto super: la macchina del poveretto finisce in orbita, il suo appartamento a pezzi e come regalo d'addio gli viene recapitato uno squalo vivo in camera da letto. “La mia super ex ragazza” ha un regista che la sa lunga in fatto di commedie come Ivan Reitman (Ghostbusters) e uno sceneggiatore politicamente scorretto come Don Payne (I Simpson), oltre a un cast di successo che include anche la reginetta delle pellicole demenziali Anna Faris (Scary Movie).

A uno spunto iniziale molto divertente segue uno svolgimento un po' a grana grossa, e il finale è deboluccio. Però si ride, soprattutto grazie a Luke Wilson, che sfoggia un aplomb alla Cary Grant davvero sorprendente.

Aspiranti registi cercasi

2006-11-19T02:29:00.000+01:00

Quando si dice la sincronicità dell'universo. Non faccio tempo a scrivere che la qualità dei video forlivesi sul web è mediamente bassa che subito l'università propone un corso e un laboratorio gratuiti per giovani da 17 a 35 anni: il primo per formare gli aspiranti filmaker del terzo millennio, il secondo per realizzare una serie di cortometraggi. Il corso per registi avrà una durata complessiva di 70 ore suddivise in una fase teorica – storia e linguaggio del cinema – e una pratica – scrittura, pre-produzione, produzione (riprese) e post-produzione (montaggio) di un audio-visivo. Le lezioni si terranno tutti i venerdì pomeriggio dalle 16.30 alle 19.30 a partire dal primo dicembre presso l’aula anfiteatro della sede universitaria di via Pratella. Il laboratorio permanente di produzione audiovisiva coinvolgerà invece ragazzi e studenti universitari dai 17 ai 35 anni nella realizzazione di brevi cortometraggi della durata di 3-5 minuti. L’intenzione è quella di selezionare un gruppo di lavoro di tre o quattro persone che apprenderà nell’arco dei mesi tutte le conoscenze utili alla realizzazione di un audio-visivo e che collaborerà con il regista Alessandro Quadretti seguendo il processo produttivo in tutte le sue fasi, inclusa quella del casting degli aspiranti attori che si terrà il 2 dicembre al Teatro Il Piccolo. Per informazioni e iscrizioni: segreteria di Presidenza del Polo scienfico-didattico di Forlì, via Volturno n. 7, tel. 0543-374328, www.poloforli.unibo.it

Cosa danno sul tostapane?

2006-11-12T02:30:00.000+01:00

La fruizione del prodotto artistico che chiamiamo “cinema” si sta spostando inesorabilmente fuori dal luogo fisico che identifichiamo come tale. L’aspetto rilevante non riguarda tanto la mutazione del mezzo di riferimento, visto che i film si vedono in TV dagli anni Cinquanta.

Se c’è qualcuno che è così masochista da guardarsi un lungometraggio sul telefonino o sul tostapane, insomma, sono fatti suoi. La vera rivoluzione è un’altra, e concerne la democratizzazione di un mezzo che finora è stato per forza di cose elitario.

Basti pensare a fenomeni come Youtube e Google Video, che potenzialmente consentono a chiunque di rendere disponibili al pubblico globale i propri film, con la stessa dignità e rilevanza di qualsiasi altro tipo di contenuto. Per ora, in realtà, più che altro si gozzoviglia. Inserendo la parola chiave “Forlì” (la città in cui vivo) in tali siti, ad esempio, ho potuto ammirare diversi episodi di goliardia psicotica, variopinta propaganda, un razzo alimentato a caramelle e le istruzioni di un paio di concittadini per creare una sorta di bombetta molotov all’acido, con tanto di disclaimer “don’t try this at home”.

Un livello così basso mi tranquillizza. La diffusione ad ampio raggio di una tecnologia, infatti, di solito genera l’aumento spropositato dei produttori di contenuti “artistici” a scapito del numero dei potenziali destinatari. Conoscete qualcuno che potendo vantare un pollice opponibile non abbia ancora partorito un romanzo, un atto teatrale, un musical, una canzone, un quadro, una scultura? Vi prego di presentarmi questo genio raro. Tutti artisti, niente arte. Tutti registi, niente cinema.

Scoop

2006-11-05T02:33:00.000+01:00

Il fantasma di Woody

Sondra Pransky è una studentessa di giornalismo americana in visita a Londra. Una sera, partecipando allo spettacolo del Mago Splendini (alias Sid Waterman, un prestigiatore di terza categoria), alla ragazza appare il fantasma di Joe Strombel, un giornalista defunto che è fuggito dalla barca di Caronte per annunciare una notizia sensazionale: il famoso killer dei tarocchi è in realtà l’aristocratico Peter Layman.

E’ questo lo “Scoop” di cui parla il titolo del nuovo parto di Woody Allen, che a settant’anni e passa continua a sfornare pellicole di un certo successo, complice la capacità di assemblare attorno a sé cast di grido a basso costo.

Questa volta i nomi “in” includono Scarlett Johansonn e Hugh Jackman, oltre ad Allen medesimo, ma il risultato non è dei più brillanti: Scoop è una farsa a tratti gradevole ma priva di mordente, in cui il compiacimento per le atmosfere british e l’amore per i film d'annata non riescono mai a far decollare l’attenzione degli spettatori al di là della cortesia che si deve a un vecchio maestro. La trama traballa e, quel che è peggio, latitano le battute che hanno reso famoso il regista. Non importa, "Match Point" non è lontano. Provaci ancora, Woody.

A scanner darkly

2006-10-29T02:36:00.000+01:00

Sguardi acidi

La vita di Philip K.Dick, lo scrittore di culto dalle cui opere sono stati tratti film come Blade Runner e Paycheck, fu profondamente segnata dalle droghe e dalla dissociazione mentale.

"A Scanner Darkly – Un oscuro scrutare", scritto nel 1977, è a suo modo tanto il diario degli effetti della dipendenza da LSD dell'autore statunitense, quanto il testamento del movimento lisergico che tracciò un solco nella cultura pop a cavallo degli anni Sessanta.

Nel romanzo, l’ultimo scritto prima della cosiddetta trilogia mistica, Dick racconta gli effetti della misteriosa e potentissima sostanza “M” (come la morte) sulla psiche di Bob Arctor, un poliziotto infiltrato in una banda di spacciatori.

Per restituirci la sensazione di vivere nel futuro senza ricorrere ad effetti speciali il regista Richard Linklater ha utilizzato nuovamente la tecnica del “rotoscoping” (già sperimentata nel 2001 in “Waking Life”) trasformando le riprese dal vivo di attori come Keanu Reeves, Woody Harrelson e Wynona Ryder in cartoni animati dall’aspetto vagamente bakshiano. Su tutti svetta un personaggio che con la droga ha davvero convissuto pericolosamente: Robert Downey Jr, in una delle migliori interpretazioni della sua carriera.

Il colpo di genio di Linklater è quello di non tradire Dick come i suoi predecessori e di proporre in primo piano la riflessione sull’identità e il controllo sociale che in altri casi – vedi Minority Report – si è dovuta inchinare a una spettacolarizzazione hollywoodiana dal gusto ben più acido.

Il Diavolo veste Prada

2006-10-21T02:40:00.000+01:00

The city, senza il Sex

Andy Sachs è la tipica ragazza della provincia americana: carina, intelligente, caparbia, e non sa assolutamente nulla di moda. Giunta a New York per inseguire il suo sogno di diventare giornalista finisce a fare l’assistente della potente e insopportabile direttrice di Runway, la bibbia del fashion system. Perderà la sua innocenza?

Se voleva essere un film sul mondo che gira attorno agli stilisti “Il Diavolo veste Prada” trascura tre elementi fondamentali: il sesso, la droga e i disturbi alimentari, che evidentemente al giorno d’oggi sono più “cool” del rock and roll. Se voleva essere un film su quanto può essere infame un capoufficio, invece, qualsiasi impiegato di banca può raccontare esperienze assai più allucinanti.

Togliete anche la meravigliosa voce originale di Meryl Streep, che nella versione originale è liquida come la panna acida, e vi rimarrà una commedia leggera, innocua e un po’ moralista, su quanto sia importante essere se stessi in ogni situazione.

Non ho letto il libro di Lauren Weisberger da cui è tratta la pellicola, per cui non posso fare confronti. Sicuramente posso consigliare il film alle irriducibili di Sex and the City, in cui ha lungamente lavorato il regista, David Frankel.

Superman returns

2006-09-10T02:43:00.000+01:00

Supermanfrina

Esiste un supereroe intrinsecamente più noioso di Superman? E’ invincibile, indistruttibile, immarcescibile. Ancor prima di cominciare sai già che ce la farà. C’è da demolire un asteroide in volo? C’è Superman. Bisogna fermare un aereo con una mano? Arriva Superman. Problemi con gli scarichi del bagno? Insomma, è praticamente impossibile scrivere una sceneggiatura decente per Superman, perché non c’è nessun nemico che gli tenga testa.

Il film originale del 1978? Richard Donner poteva contare su effetti speciali da Oscar e un cast magniloquente che includeva, oltre allo sfortunato Christopher Reeve, niente meno che Marlon Brando, Glenn Ford e Gene Hackman. E la storia, scusate se è poco, era di Mario Puzo, l’autore del Padrino. A Brian Synger, che pure è uno dei miei registi preferiti, hanno dato gli scrittori di Urban Legends 3, e potete immaginare la differenza.

L’autore degli Insoliti sospetti gioca tutte le sue carte per restituire un minimo di tridimensionalità a un personaggio sottile come la carta da fumetti, ma la storia è (molto) meno veloce della luce e non bastano gli effetti speciali “da paura” a tenere desta l’attenzione per due ore e mezza. In breve: Superman torna dopo cinque anni di assenza per scoprire che Lois Lane ha avuto un figlio e lo odia; seguono crisi esistenziale e losco piano di Lex Luthor/Kevin Spacey per dominare il mercato immobiliare uccidendo miliardi di persone (sic!). Alla fine si parteggia apertamente per il cattivo: o che faccia fuori Superman, o che faccia fuori l’umanità, potremmo almeno risparmiarci l'inevitabile seguito.

Slevin, patto criminale

2006-08-27T02:47:00.000+01:00

Sulle tracce di Sex Crimes

Slevin (Josh Hartnett) è un ragazzo molto sfortunato. Nello stesso giorno perde il lavoro, la casa, la ragazza, il portafogli, e viene scambiato per l’amico scomparso dagli scagnozzi di due diversi gangster a cui deve un sacco di soldi: il Boss (Morgan Freeman) e il Rabbino (Ben Kingsley), loschi figuri che si guardano in cagnesco dalle rispettive roccaforti dopo una vita trascorsa a combinare affari sporchi.

Nel frattempo un truce killer di nome Goodkat (Bruce Willis) è al lavoro, mentre la ragazza della porta accanto (una insolita Lucy Liu) e il poliziotto tutto d’un pezzo (Stanley Tucci) indagano sulla vicenda. Ma è davvero solo sfortuna, quella di Slevin?

Si è parlato di Quentin Tarantino come ispiratore di questo film estivo firmato dal regista scozzese Paul McGuigan (The Acid House, Appuntamento a Wicker Park). Ma, francamente, a parte il gangsterismo da garzantina e la violenza gratuita sparsa a piene mani, l’autore di Kill Bill c’entra poco. Nonostante il cast stellare, Slevin – Patto criminale mi ha ricordato, piuttosto, un thriller di serie B del 1998: “Sex Crimes – Giochi pericolosi”. Stesso procedimento induttivo nella stesura della sceneggiatura (da un finale “shock” a un plot barcollante e autoreferenziale). Stessa disonestà complessiva nei confronti dello spettatore, che non può distinguere tra flashback “veri” e inventati. Stesso incomprensibile entusiasmo del pubblico adolescente. Con una differenza: se non capite dopo cinque minuti dall’inizio del film qual è la vera trama di Slevin, tanto vale che continuiate a dormire.

2006-08-20T22:09:00.000+01:00

Luigi, stella italiana
Una Fiat 500 tra i protagonisti del nuovo film Disney/Pixar

Nel settembre del 1948, sul finire della “Golden Age” della radio americana, la CBS cominciò a trasmettere “Life with Luigi”, una commedia che per gli standard odierni non potrebbe essere considerata men che politicamente scorretta. Il protagonista era un immigrato italiano a Chicago che ogni settimana, con il suo inglese sgrammaticato e infarcito di “Mamma mia”, affrontava gli imprevisti dell’immigrazione in un Paese tanto lontano e diverso dal suo. Razzismo mascherato?

Effettivamente la Italian Antidefamation League tentò a più riprese di impedirne la messa in onda. Eppure la “vita con Luigi” deve essere rimasta ben radicata nella cultura popolare americana, se la Fiat 500 ferrarista di “Cars”, il nuovo film di animazione Disney/Pixar, porta proprio quel nome e parla (nella versione originale, in italiano è doppiata da Marco Della Noce) come il poco conosciuto antenato.

Luigi Basco faceva ridere per il suo accento, ma la via che gli veniva tracciata di fronte era lastricata di valori che poteva abbracciare senza abbandonare i propri tratti distintivi. Agli immigrati che vivono in Italia oggi quali modelli di riscatto, quali proposte di integrazione stiamo proponendo, anche attraverso i media? Mi vengono in mente solo ballerini e protagonisti di reality show.

Amori mondiali

2006-06-12T22:18:00.000+01:00

Quattro appuntamenti con il dramma sentimentale

Capisci che l’Italia sta cambiando quando i massimi e indiscussi esperti sportivi del Paese (il tuo barbiere e il tuo edicolante) ti confessano che – causa disillusione da scandalo arbitri – non riusciranno a seguire i mondiali con lo spirito di un tempo. “Al massimo le partite della nazionale, e forse nemmeno quelle”, sospirano tra i singhiozzi. Alla loro passione tradita si potrebbe dedicare la bella rassegna “Amori mondiali” organizzata per quattro mercoledì alla Sala del Foro Boario dalle ragazze del cineclub Forcine, al motto di “mi sono tanto divertita; ho pianto tanto”. Si parte il 14 giugno con un classico del fazzoletto, “La voce nella tempesta”, del 1939. Ispirato al romanzo “Cime tempestose” di Emily Bronte rimane nella storia del cinema per il cast d’eccezione (Laurence Olivier su tutti) e in quella del doppiaggio tricolore per il mitico birignao di Lia Orlandini che chiama Heathcliff nella tempesta. Il 21 giugno scende in campo per l’Italia un altro campione della congestione nasale: “Senso” (1954) di Luchino Visconti, interpretato da una splendida Alida Valli. Il 28 giugno si spreme qualche lacrimuccia intellettuale con “Io e Annie”, manifesto alleniano dell’incomunicabilità di coppia. Si chiude in tristezza il 5 luglio con “La signora della porta accanto”, dramma dell’amor fou firmato da Francois Truffaut in cui ripensando alle proprie storie passate tutti piangono, donne e uomini, pur se per motivi assai diversi. Ingresso riservato ai soci ForCine (tessera 3 euro). Per info: tel: 349/3937087 info@forcine.net.

Cappuccetto rosso e gli insoliti sospetti

2006-06-04T22:23:00.000+01:00

Signori, i bambini son tornati. E non sto parlando di quelli finti della televisione, nossignori. Sono quelli veri, col moccio al naso e le croste alle ginocchia, perenni come le nevi del Cervino.

Basta guardarsi intorno al parco, la domenica, per capire che la generazione degli anni ’70 ha cominciato a far figli. Sono dappertutto. Persino al cinema, a guardare i cartoni animati, un genere che sembrava destinato a diventare esclusiva di coppiette e scoppiati in fase regressiva.

Ma i bambini questo non lo sanno: persino una evidente parodia come “Cappuccetto rosso e gli insoliti sospetti”, ispirato al film-cult di Bryan Singer, diventa l’occasione per divertirsi in allegria.

Il cinefilo basisce, perché i bambini non colgono il raffinato moltiplicarsi delle angolazioni del racconto, né si curano del fatto che l’ironia dietro alcune situazioni sia in effetti un po’ logora.

I bambini non sanno che questo è il primo film prodotto dai fratelli Weinstein dopo l'uscita dalla Miramax, e non comparano nemmeno la qualità dell’animazione rispetto a un altro classico della parodia come Shrek.

Ridono della capra canterina e basta, mentre i padri e le madri, distrutti, dormono e lasciano al pubblico pagante il discutibile piacere di educare la prole altrui a non piantare i cari piedini nella schiena del vicino. Insomma, mai visti tanti bambini a vedere un film per bambini. Era ora, lasciatemelo dire.

X Men 3

2006-05-29T22:26:00.000+01:00

L’universo fa dei tentativi. Alcuni possono apparire voluttuosi: labbra rosa, occhi verdi e lunghi capelli corvini. Altri delittuosi: un metro e venti di ascelle sudate. Hanno tutti la stessa dignità, perché in quella slot machine galattica che è il Dna può capitarti davvero di tutto. Una prova d’artista, quando va bene. O una scacchiera a cui manca qualche pezzo, e su cui non puoi vincere mai, quando va male.

Certo, se sei un X-Man hai sbancato. Nei tuoi geni c’è una caratteristica che ti rende speciale, come un supereroe, più o meno. Allo stesso tempo essere speciali non sempre è un bene, attira odio, paura, invidia e desiderio di potere.

La saga degli uomini mutanti creata da Stan Lee giunge al terzo episodio cinematografico sulle stesse basi dei primi due, ma senza più il regista Brian Synger, passato alla Distinta concorrenza per dirigere il ritorno di Superman.

Le minacce orchestrate dal nuovo entrato Brett Ratner (Red Dragon, Rush Hour) sono più sottili: non ci sono solo le controparti malvagie che intendono dominare il mondo, ma anche una fantomatica cura, in grado di ridonare la “normalità” ai geneticamente dotati. Gli X-Men sono belli, intelligenti, ricchi di salute e virtù, ma non sono felici, e considerano l’idea.

Certo, è un pelo più facile scegliere, e farsi paladini della diversità e della tolleranza, quando il tuo “difetto” genetico ti permette di volare, o anche solo di camminare normalmente. Pare che il professor Xavier, unico mutante in carrozzella, nel segreto dell'urna avesse scritto "Si".

Il Codice Da Vinci

2006-05-21T22:29:00.000+01:00

Dietro al complotto

Quando avevo sei anni, ed ero un bambino interista, quindi per definizione infelice, mia madre mi consolava dicendomi che il campionato di calcio era una gigantesca truffa: una messa in scena che serviva per impedire al cervello della gente di funzionare, e per far vendere più macchine orribili.
La cosa mi faceva infuriare: per un bambino interista di sei anni, vessato da chi nella vita ha sempre e solo vinto, non c’è niente di peggio che mettere in discussione il proprio desiderio di riscatto. Oggi che si scopre che la serie A è più o meno da sempre una pantomima, quanto il wrestling, che almeno non si nasconde dietro all’ideologia sportiva, mi tocca dirlo: mia madre aveva ragione.
Per questo non mi unisco all’accanimento generale dei critici verso il Codice Da Vinci, che da brutto libro si è trasformato in un thriller mediocre, sebbene di grandi mezzi. L’idea forte alla base del romanzo di Dan Brown – trasposto in pellicola con un cast stellare da Ron Howard - è che Gesù fosse sposato con Maria Maddalena e da lei avesse avuto una progenie. Un gigantesco complotto dell’Opus Dei avrebbe insabbiato il tutto. Sono idee scioccarelle e non nuove, già stroncate dai teologi di professione, oltre che da Umberto Eco e tanti altri studiosi laici. Eppure, se sono bastate a mettere in discussione la fede di milioni di persone, si potrebbe sospettare che anche in questa sorta di campionato il collegio arbitrale appaia ai più vetusto, stantio, di parte. E che le regole non siano uguali per tutti.

Una top model nel mio letto

2006-05-14T22:31:00.000+01:00

Modella di vita

Cosa si ottiene incrociando un commesso viaggiatore esibizionista con una meretrice ninfomane? Una top model, ovvero un essere il cui unico scopo è quello di farsi possedere (visivamente) dal maggior numero di persone, al fine di vendere una merce.

E invece di eccepire sulla prestazione, invero un po' scarsina, tutti giù ad adorarla, in una dimensione estetica ed erotica da preadolescenti in crisi ormonale. Come cantava il Lorenzo di Corrado Guzzanti: “Tu non sei una donna, sei de più, sei ‘na modella”.

Ma c’è anche chi, a questi esseri irraggiungibili non pensa proprio. Come Francois Pignon, il protagonista di “Una top model nel mio letto”, che si preoccupa piuttosto di non essere ricambiato dalla bella libraia Emilie (Virginie Ledoyen), di avere un lavoro migliore di quello da parcheggiatore e di non dover condividere più l’appartamento con l’amico Richard.

Va decisamente meglio al miliardario Pierre Levasseure (Daniel Auteil), che da due anni tradisce la moglie con Elena, famosa mannequin d’alto bordo. Di fronte a una foto compromettente, che svela la tresca, i destini dei due uomini si incrociano. Al parcheggiatore, ritratto per sbaglio accanto alla modella, viene chiesto di fingere di esserne il fidanzato e ospitarla a casa propria. Ne nascono, ovviamente, equivoci su equivoci.

Francis Veber, il regista di “La cena dei cretini”, non si smentisce: ancora una volta il tema principale è quello del gioco degli opposti in uno spazio condiviso per forza, e ancora una volta i personaggi più umili sono rappresentati, nella commedia umana, come i meno infelici. Si ride garbatamente, senza inutili volgarità.

Chicken Little

2005-11-27T14:49:00.000+01:00

Attenzione, c’è un virus dilagante che sta colpendo l’Italia intera. Prende alla testa, specialmente in alta quota, e produce la cosiddetta “influenza comunicativa”. Si manifesta con giramenti del capo, carenza di fosforo, alterazione sistematica della realtà e affermazioni compulsive del tipo: “Siamo stati bravissimi, ma non siamo stati capaci di comunicarlo”. Il temibile bacillo recentemente ha colpito anche il presidente del Consiglio. Con un’influenza così in giro l’aviaria dovrebbe fare meno paura del raffreddore, ma questo è un Paese strano, in cui le malattie a volte hanno decorsi imprevedibili, specie sui giornali e in televisione.

Se gli italiani ormai non mangiano più pollo, speriamo almeno che non rinuncino a “Chicken Little – Amici per le penne”, il film che la Disney dedica a un mondo, quello dei volatili da cortile, che tanti personaggi ha prestato al cinema di animazione e non solo. E’ la prima pellicola computerizzata girata senza l’ausilio della Pixar di Steve Jobs, e la differenza a livello grafico e tecnologico si avverte. La critica però ha apprezzato la storia divertente, garbata, ricca di rimandi al mondo della fantascienza anni ’50. Da parte mia non posso non notare un prestito narrativo da Uderzo&Goscinny – Chicken Little, come i Galli di Asterix, ha paura che “il cielo gli cada sulla testa” - e un omaggio divertito ai personaggi che animarono le storie di Paperino degli anni ’30, con uno splendido Aldo Cotechino nella parte che fu di Meo Porcello.

In her shoes - Se fossi lei

2005-11-13T14:51:00.000+01:00

C’è un luogo comune, particolarmente duro a morire, secondo cui l’amicizia tra donne è impraticabile. Certo, quel misto di affetto e invidia latente, supporto e piccole perfidie è ben più complesso del tipico rapporto di cameratismo maschile. Ma non per questo è meno forte: lo si potrebbe chiamare “sorellanza” se il termine non evocasse un’entità vagamente paranormale.

Nei suoi romanzi “Brava a letto” e “A letto con Maggie”, la scrittrice americana Jennifer Weiner ha indagato questo piccolo mistero con dovizia di particolari e ironia. Nel secondo, in particolare, la Weiner ha intinto la penna nel rapporto tra due sorelle, le quali incarnano un po’ gli estremi tra cui è costretta a oscillare l’identità femminile.
Tanto una è studiosa, materna, affidabile e drammaticamente in carne quanto l’altra è statuaria, promiscua, frivola e perennemente indecisa. La sola cosa in comune? La passione per le scarpe.

Quel conflitto arriva sugli schermi cinematografici con “In her shoes - Se fossi lei”, protagoniste Cameron Diaz, mai così sexy, e Toni Collette, già vista nel minicult australiano “Le nozze di Muriel”. Maggie, la sorella più giovane e procace, vive da sempre alle spalle della maggiore Rose, avvocatessa in uno studio legale. Dopo una lite furibonda Maggie parte sulle tracce della madre, morta in giovane età, fino a scoprire una verità sconvolgente.

Curtis Hanson, regista di “L.A. Confidential” e “8 mile” adatta con grazia questa commedia dai risvolti sentimentali e romantici, sfruttando al meglio il cast al femminile, su cui svetta la settantunenne Shirley MacLaine. L’arguzia dei dialoghi e il montaggio, molto spedito per un film di questo genere, rendono piacevoli le oltre due ore di pellicola.

Due single a nozze

2005-11-07T14:52:00.000+01:00

Sposarsi è un modo qualunque per sentirsi un grande imprenditore. Puoi stilare budget, chiedere preventivi, visitare fornitori e direttori di banca e, due volte al giorno firmare assegni postdatati. È romantico quanto un seminario sulla partita doppia, ma a parte questo dicono non sia così drammatico, basta avere una buona segretaria, un fisioterapista personale e un patrimonio di alcuni milioni di euro da sperperare.

Mutui ergastolari e muratori espressionisti sono nulla rispetto al giorno delle nozze: un helzapoppin in cui decine di perfetti sconosciuti si abbuffano a carico tuo, mentre tu ti domandi se sia il caso di metterli in imbarazzo, visto che hanno evidentemente sbagliato matrimonio. In cambio questi figuranti spendono cifre esorbitanti per regalarti piatti e bicchieri così costosi che sarai costretto a comprarne altri meno cari per poterci mangiare dentro.

Con queste premesse la storia di “Wedding crashers – 2 single a nozze” – non risulta poi così incredibile. John Beckwith e Jeremy Gray (Owen Wilson e Vince Vaughn) sono due avvocati divorzisti, celibi incalliti, che approfittano delle cerimonie altrui per imbucarsi e sedurre le invitate. Almeno finché non interviene l’amore vero. Divertente, ma siamo lontani dall’umorismo british di “Quattro matrimoni e un funerale”. Abbondano piuttosto nudità e situazioni corporali imbarazzanti nello stile del primo John Landis. Demenziale e un po’ iconoclasta, insomma, come ogni cerimonia che si rispetti.

The interpreter

2005-05-27T14:52:00.000+01:00

Era dai tempi di “La mia Africa” che Sidney Pollack non frequentava i misteri e le malìe del continente nero. Anche “The interpreter”, il suo nuovo film, ha al centro la passione di una donna bianca per quelle terre, ma la storia è ambientata per la maggior parte nei corridoi e nelle sale del palazzo delle Nazioni Unite di New York, visto per la prima volta al cinema nei suoi interni originali.

Nel film Nicole Kidman è Silvia, bionda traduttrice con il doppio passaporto africano e statunitense, una delle poche persone al mondo a conoscere la lingua dell’immaginario staterello del Matabo. La nazione è governata dal dittatore Zuwanie, trasformatosi da benefattore a persecutore del proprio popolo. Un giorno, dalla sua cabina, Silvia ascolta per caso il piano per uccidere Zuwanie durante il discorso che dovrà tenere di fronte all’assemblea dei delegati. Da qui si dipana una storia di pericoli e minacce, sulle tracce di un passato doloroso che nemmeno l’agente dei servizi segreti mandato a sorvegliarla – interpretato dal divo del cinema “contro” americano Sean Penn – sembra in grado di poter neutralizzare.

“The interpreter” è un buon thriller politico, un po’ vecchia maniera, in cui non mancano i momenti spettacolari e i colpi di scena. Pollack – che negli anni Settanta firmò un capolavoro del genere come “I tre giorni del Condor” - è forse lontano dalla forma dei giorni migliori, ma ha il merito di ricordare al mondo occidentale che l’Onu, e non un campo di battaglia, dovrebbe essere il luogo deputato alla risoluzione delle controversie internazionali.

Non aver paura

2005-05-15T14:53:00.000+01:00

Uno degli spot della campagna di Bush contro Kerry che si rivelarono più efficaci mostrava un branco di lupi pronti a scagliarsi contro l’America se il candidato democratico avesse vinto. Morale della favola? La paura, e non l’amore, è il sentimento che muove il mondo, tutto sta a trovare quella giusta. Partendo da questo assunto psicologico – in verità non più così originale - il regista di Non aver paura, Angelo Longoni (Naja), ha scelto di contaminare i generi, miscelando giallo psicologico, thriller e dramma familiare.

Franco e Laura (Alessio Boni e Laura Morante, sempre bellissima) si sono separati da poco: lei ha tradito e lui non ha perdonato. La donna accusa l’ex marito di non passarle abbastanza denaro e intanto lavora in una chat line erotica. Di nascosto, perché l’uomo - ossessionato dall’idea di ottenere l’affidamento del figlio di nove anni, Luca (Andrea Ragno) – potrebbe sfruttare la cosa a suo vantaggio. Mentre odio e rancore cominciano a farsi strada anche nella mente del bambino, che ha sviluppato un amico immaginario dal carattere opposto al proprio, una misteriosa minaccia appare all’orizzonte: un cliente pedofilo che sembra conoscere molte cose della vita privata di Laura...

Preso come film di genere Non aver paura sarebbe limitato (ricorda, a tratti, certe produzioni anni ‘80) ma potrebbe funzionare, grazie alle scene inquietanti girate col piccolo protagonista e il suo gemello. Purtroppo le pretenziose suggestioni sociali sul tema del doppio pasticciano il tutto, sgonfiano il climax. Ci sono cose di cui un regista dovrebbe avere una sacrosanta paura: far la morale in modo così sfacciato, ad esempio. Nemmeno Hitchcock si è mai permesso.

Le conseguenze dell'amore

2005-05-07T13:54:00.000+01:00

Di solito il giudizio va al termine, ma in questo caso farò un’eccezione. «Le conseguenze dell’amore» (trionfatore agli ultimi David di Donatello) è un film strepitoso, da vedere assolutamente. Uno di quei rari lavori in cui la qualità della scrittura, l’abilità degli interpreti e la visione registica sublimano fuori dalle convenzioni, in una compiutezza che va oltre gli schemi della narrazione, specie quella televisiva.

La trama? In realtà per una pellicola come questa non ha importanza, e non farò l’errore di svelarvela: contano gli spazi, i silenzi, il non detto.

C’è uno spunto iniziale, certo: un uomo che da otto anni vive solo in un albergo in Svizzera, senza allontanarsi mai. È un esiliato? Un pazzo? Qual è il segreto inconfessabile di Titta Di Girolamo? Ogni uomo ne ha uno, o più di uno, e i suoi li vediamo rotolare fuori dalle carte da parati e geografiche, come aghi che pungono senza più ferire. Su questa intuizione noir il regista Paolo Sorrentino innesta tessuti pulsanti di thriller, azione e commedia, con uno stile molto originale, meno efferato dei modelli americani e allo stesso tempo meno consolatorio. Il controllo maniacale della fotografia, della colonna sonora e delle ambientazioni contribuiscono a trasmettere l'effetto di straniamento generale, sempre tenendo conto che anche i più arditi movimenti di macchina scompaiono di fronte all'intensità plumbea di Toni Servillo, semplicemente gigantesco.

Le “conseguenze dell’amore” del titolo sono quelle scatenate dal contatto impalpabile con una giovane donna (Olivia Magnani, nipote di Nannarella), forse il momento meno riuscito della storia, il più difficile da spiegare razionalmente. Ma quando i segreti si svelano e i giudizi morali s'invertono non importa più: restano la dissoluzione, il riscatto e un film di gran classe.